Francesco Bonami, Lo potevo fare anch’io, Perchè l’arte contemporanea è davvero arte, Mondadori, 2007.

Libretto quasi da considerarsi un classico, ma ancora da consigliare (ristampa del 2011) perchè, come da titolo e sottotitolo, si rivolge evidentemente al grande pubblico, che manca all’arte contemporanea. O meglio: non manca affatto, dato l’incomprensibile afflusso di visitatori di ogni tipo e intenzione ad ogni manifestazione espositiva, ma sovrabbonda con ostinazione di quell’atteggiamento che ha fornito il titolo stesso.

Da considerarsi un classico perchè compie un’operazione culturale che molti si astengono dal frequentare, tra gli addetti ai lavori in campo latamente (o anche lautamente) culturale, cioè proprio quella di individuare dei classici in questi tempi moderni dove tutto è diffondibile e presentabile al gran pubblico e dunque privo di selezione alla fonte. Bonami, conscio delle fresponsabilità del critico (vi ricordate ? in origine l’etimo era “giudice”), esclude (anche grandi nomi) e ammette tenendo presente un criterio di arbitraggio molto chiaro:

il problema di questa arte è che si basa sull’idea, non sulla tecnica.

Il resto della precisazione dei suoi criteri di giudice procede da questa affermazione e conduce apparentemente solo ad un’apologia dell’originalità nell’arte e ad una più ardua esaltazione della forma pittorica (il quadro) sulle altre espressioni, più profondamente ad un attacco ad ogni forma di attardamento e di contrabbandesco riuso dell’arte del passato in nuove espressioni con tanta tecnica ma poche idee. Se il quadro come sforzo creativo e obbligo ad usare soluzioni originali e fantastiche per dover ricreare la realtà sulle tre dimensioni è, come si diceva, esaltato, quella esaltazione è per come la bidimensionalità ha costretto gli autori del passato ad innovare continuamente e a porsi il problema di una filosofia dello spazio e dell’azione sullo spazio stesso, dunque a dipaqnare il problema dell’idea mentre adoperavano la tecnica. In tal senso l’arte dei nostri giorni non è che l’estremo sviluppo del lavoro in continuo progresso dell’arte figurativa, e non la morte dell’arte nell’epoca della tecnologia, come osiamo spesso pensare.

Donde il ruolo, tra i nuovi classici, ad esempio, di Anish Kapoor, esaltato con le parole riservate in genere ai classici:

elegante, principesco, affascinante, sofisticato ...

il suo soggetto è il vuoto, ovvero come diceva Sant’Agostino: “il nulla dotato di spazio”. Che poi è la sublimazione della politica. ...

Il bello all’ennesima potenza, come un super dolby system per l’occhio.

Chi invece usa il quadro, ma non la quintessenza del quadro, è condannato nonostante la fama già procuratasi (si veda la distruzione di Guttuso).

Renato Guttuso (...) non ha mai smesso di dipingere, intelligentemente ha voluto godersi la vita, gli amici, le donne, il potere, risparmiato dall’ignoranza e dalla stupidità. Beato lui. In fondo per trovare i Goya, i Courbet, i Picasso, i Duchamp e i Warhol c’è sempre tempo. Siamo nati naviganti e poeti, non certo pittori geniali o astronauti coraggiosi.

Perchè segnalare il libro in questa rubrica ?

Una risposta potrebbe essere la consueta polemica (spero che lo sia ovunque,  consueta) sul mancato studio delle forme artistiche contemporanee nell’ultimo anno delle scuole superiori, e sarebbe già un buon motivo, specie se di recente vi è capitato di portare quegli allievi in biennale e a San Giorgio a vedere Ascension di Anish Kapoor.

Ma non è, questa volta, la sola risposta esatta.

Un tempo si attaccavano, in forma di quadri, i più bei disegni degli allievi di ogni grado di scuola. Forse è il caso di pensare che l’ambiente fisico dove si svolgono le lezioni è un ambiente che può essere performativo e che questa sua caratteristica non può esaurirsi nelle prestazioni più o meno sciovinistiche delle eccellenze così care ai fervorini ministeriali e agli pseudoincentivi che li farciscono. Un ambiente performativo diffuso garantisce agli studenti l’espressione di idee con il ricorso minimale e comunque sempre accessibile (nell’età digitale) a quel tanto che serve di tecnica realizzativa. Le lezioni possono ben essere frontali e garantire a loro volta il travaso (sì, il travaso, che è un sacrosanto diritto del vaso comunicante meno pieno a ricevere il liquido che gli manca) di conoscenze, senza mistificazioni spontaneistiche. Quel che c’è intorno deve invece garantire il benessere e la creatività, deve essere considerato come il territorio nella Land Art, come una città dalla fantasia di Christo e non solo come una piazza in cui esibire un oggetto dei Pomodoro: leggete il libretto, se non l’avete fatto, per la comprensione di quest’ultimo passaggio. Poi, mettetevi pure subito a riprogettare il modo di vivere nei corridoi della vostra scuola, al tempo della riproducibilità digitale dell’opera d’arte. Già, perchè ora potete farlo anche voi.